NEO BLUE
Travail basé sur le dessin d’observation et le dessin d’après modèle. cette série vient tout d’abord confirmer le choix évident du ton bleu et ses dérivés outremer, cobalt turquoise…(2021) pour petit à petit explorer l’effet et l’émotion dégagée par d’autres couleurs.
"Ayuda jacta est"
Cette oeuvre par son titre et sa composition est reliée à Ayuda le veilleur. (pratiquement les mêmes dimensions 145×240 cm) Elle met à nouveau en scène deux hommes, et ce lien invisible, cette amitié fidèle (solidarité masculine? ou tout simplement) qui se manifeste dans les moments inéluctables. Les écrits en braille répartis sur leurs deux corps sont l’écho de l’entrechoc de leurs pensées, leurs non-dits.
"Naufrage de l'amour"
Loving Tree
« Naufrage de l’amour »
Huile et acrylique sur toile,
140,50×197 cm, 2021
Les personnages évoluent dans un espace où la végétation est omniprésente mais au ciel plus dégagé. Ils entament un mouvement évoquant une danse de couple. L’homme semble tenir fermement la femme en un mouvement ascendant, à l’instar du cocotier. Comme écartelé, le corps de celle-ci s’étire en axes multiples. Dans une posture d’abandon, sa tête vient effleurer l’eau pour s’y fondre petit à petit. Pié pou tèt…Elle se rattrape néanmoins d’une main à la jambe de l’homme, de l’autre à la végétation dense et fleurie (sur laquelle l’accent est mis de façon plus sensible et réaliste), symbole de vie.
« Loving Tree »
Huile et acrylique sur toile
100×200 cm, 2021
Collection Nougarede
Dans cette oeuvre, la composition verticale reprend des éléments qui caractérisaient la série Alkhôves : présence de l’arbre et omniprésence de la végétation luxuriante. on trouve également en filigrane, les points de l’écriture braille. On peut lire : pour l’homme In – side (bras)/ Over (hanche)
Deux oeuvres exposées à la Fondation Clément dans le cadre de NUMERIS CLAUSUS (2021)
pour la femme sight (bras)/ Come (cuisse)
Sobria looks sober
Huile et acrylique sur toile (2021) 140×185 cm
"Légèreté de l'être"
Sens-tu cette brise légère?
Anba zyé a lanati lanmou ka manifesté
Van ka vantépou konminyé
Avè dlo ki avè kym ka rafréchi
Osmose où le coeur a ses propres raisons.
Ignorant les codes établis.
Et si nous nous aimions encore
Laissons-nous porter par l’air du vent et du temps
Soyons sans être obligés de paraître
Car l’être est léger et le paraître lourd [….]
Texte de @erauss_lyrical_snipa
"Songe de l'éveil"
« Le Cauchemar » 1781
Johann Heinrich FUSSLI
Le Cauchemar dépeint simultanément une femme rêvant et le contenu de son cauchemar. Ce tableau représente une femme en robe de satin blanc, endormie sur un lit, la tête penchée vers le bas. Elle est dominée par un démon assis ou accroupi sur elle, qui fixe le spectateur.
L’interprétation de l’oeuvre a changé au fil du temps, Fussli en a d’ailleurs peint au moins 3 versions. Mais ce qui ressort de cette composition triangulaire inédite, c’est l’expression du « démon triomphant ».
L’écho du « Songe de l’éveil » avec cette oeuvre n’était pas à proprement parler volontaire.
Le croquis initial présentant un homme plongé lui aussi dans un profond sommeil est très certainement à l’origine de cette proximité visuelle et psychologique.
La femme à ses côtés ne l’accompagne pas, elle surgit, à l’instar du démon de Fussli. Mais ici le triomphe est plus subtil. le démon est « invisible », il faut le chercher plus loin : dans les marques de coup sur le visage de la femme.
» Le COMMENT est profondément le QUOI : emprunter des formes aux maîtres permet de faire affleurer dans l’oeuvre d’arrivée la charge sémantique et émotionnelle qu’elles avaient dans l’oeuvre de départ. » BRONZINO
Le parcours, l’Oeuvre d’un artiste est quelque chose qui se développe tout au long de sa vie. une sorte d’écoulement, on parle parfois de période clé ou charnière. Son art provient de ce qu’il est, de ce qu’il vit, de la façon dont parvient à le retranscrire et de la capacité de résonance chez le public qui le reçoit. RIEN n’est acquis dans l’art comme dans la vie. Aussi se servir d’oeuvre existantes est parfois justifié mais cela n’est qu’une étape sur le chemin menant à la création d’univers personnel.
[ la violence (BIO-lance)
Déferlement / Eruption / Jaillissement
Quelle qu’elle soit fait partie intégrante des mécanismes vitaux.
Qu’on l’accepte ou pas.
Que l’on en ait conscience ou pas.]
Début 2022, on « sent » que le travail d’ Amandine Uger a changé. Pas un changement brutal, non, un changement progressif, fait de petites touches…Presque imperceptibles du fait que les oeuvres sont rarement présentées dans leur ensemble.Si on devait le résumer ou lui trouver une cause : la maturité.
CHROMATIKS
Apprêt + Acrylique + Huile >> Mélange Alchimik
Fondement/Appropriation d'une technique fluide
Condition préalable à l’expression de la couleur
Auparavant, la poudre d’or cherchait à souligner, cerner les corps afin qu’ils se détachent du paysage.
La peinture irridescente qui la remplace fait, elle, irruption en cascades, en fissures, ou en diagonales dentelées. développant une harmonie propre à la fois aux personnages et aux éléments du paysage dont ils font intimement partie.
En clair, les humains représentés sont totalement pensés comme une donnée environnementale, en adéquation non pas avec l’époque (que la nudité abolit) mais avec l’environnement qui l’entoure.
Oui, les jalons du changement de couleurs étaient déjà posés avec des oeuvres comme « Légèreté de l’être » ou bien « Both Mirror Bath ». Mais avec « L’invitation » , puis » Courtoisie de l’Aube » ou encore » Isthme », l’élargissement de la palette chromatique devient enfin, franc et clair.
Franc et clair…
Tout simplement parce qu’imposer une couleur quand bien même ce serait du bleu, revient à prôner un « monotheïsme pictural »….Ce qui n’est pas mon propos
Février 2022:
Pour cette exposition collective, A.Uger a choisi de réunir plusieurs artistes qui chacun à sa façon explore, interroge, revisite, interprète sa vision de la couleur bleue. Couleur froide ou mélancolique pour certains, apaisante, profonde ou spirituelle pour d’autres. L’exposition BLUE SYMPHONY en montre les facettes multiples et vibratoires.
Puiser dans des émotions qui ne relèvent pas de la simple préférence chromatique.
Lorsque je parle d’oeuvres de « transition », j’entends par là une sorte de glissement, de respiration dans le processus pictural. Il n’y a pas forcément de lien chronologique, je suis simplement d’une manière ou d’une autre en recherche d’une rupture (formelle, chromatique ou autre) dont je pourrais tirer profit par la suite.
Ici, le jeu de profondeur, différents effets dans la tonalité sombre, dans le ciel comme dans la mer.
Là, le jeu de symétrie inversée ouvrant le champ des lectures – lumières – possibles.
Un artiste m’a dit un jour que mes oeuvres étaient des DESSINS.
De fait, c’est exactement cela.
« Les humains prennent toute leur importance dans le calque (khalq en arabe signifiant création). Le calque c’est prendre le trait d’un dessin ou d’un schéma et reproduire. »
Nombres Primitifs 2.1
Je conçois mes oeuvres par un dessin préparatoire qui, tant qu’il n’aboutit pas à la forme que j’ai en tête, peut évoluer par des ajouts. Toujours sur le dessin initial. Une fois le dessin terminé, je tiens à maintenir les mesures sur la toile. D’où les innombrables annotations chiffrées en marge des dessins. Ces mesures qui, à première vue semblent fastidieuses permettent la mise en place d’un « socle ».
Très souvent, je suis surprise par l’équilibre interne de la composition...les mesures se complètent et en faisant apparaître des carrés réguliers viennent confirmer la justesse de la composition sans que cela ait été une volonté préalable. La peintre est a final, comme la nature…Mathématique.
"L'invitation"
» L’invitation (Take my hand) » 150×150 cm
Huile et acrylique sur toile
2022
"Courtoisie de l'aube"
COURTESY (Promesse de l’aube) détail
Huile et acrylique sur toile 2022
« La Méridienne » VAN GOGH (janv. 1890) – Musée d’Orsay
Cette oeuvre est une reprise inversée de « La Sieste » de Millet. V.Gogh propose ici une composition paisible qui fait ressentir l’extrême chaleur par le biais de deux couleurs intenses: le jaune d’or et le bleu clair.
Là encore le lien est plus ou moins implicite. Pour « Courtoisie de l’aube », j’ai choisi d’utiliser des couleurs chaudes : jaune/orangé en contraste avec le bleu. Illustrant, à un autre niveau de lecture, l’union des éléments terre/eau et féminin/masculin. Les personnages au lieu d’être en sommeil sont en pleine ferveur, les corps, en diagonale transversale, sont envahis par la chaleur.
Si le dessin d’après modèle a servi de base, je me rends compte que le sujet observé quel qu’il soit n’est, en réalité, pas « fixe ».Un oiseau, une personne, un paysage est changeant et c’est cet ensemble qu’il faut parvenir à saisir, puis retranscrire.
« On ne peut pas être un bon artiste si l’on ne pénètre pas de l’esprit de son modèle » INGRES
Les personnages représentés dans ces oeuvres se sont donc détachés de « la pose du modèle » pour être constitués d’un ensemble de mouvements à la fois physiques et spirituels. Il n’y a pas de règles précises pour parvenir à cet équilibre mais donner de la densité à chaque élément d’un tableau permet une composition plus fluide, plus subtile multipliant les interractions internes et externes (avec le public qui le regarde).
"Isthme (Vaccum kiss)"
ISTHME (Vacuum kiss) Huile et acrylique sur toile 2022
Quiétude (Feeling flow)
« Quiétude (Feeling Flow) »
100×200 cm
Huile et acrylique sur toile (2022)
Au delà de "simple portrait"....
La question de l’identification des personnes représentées est le principal problème de l’art figuratif. Inconsciemment, on cherche à reconnaître, à trouver, à deviner des liens avec ce que l’on « connaît » déjà de telle ou telle personne. en l’occurrence là, il s’agit de pénétrer un univers, découvrir un nouvel aspect de la personne qui semble plus intime.
L’artiste nous donne à voir et dans le même temps, la pudeur consciente ou pas, fait hésiter à regarder les oeuvres de manière frontale. Car, il faut bien le dire l’aspect sensuel des oeuvres donne forcément lieu à toutes sortes d’interprétations….
L'origine des sens...
Le choix du couple est arbitraire. Répétitif. Il semble imposer un modèle et pourtant n’embrasse aucune « cause » concernant la sexuaité.
Ce choix, clairement NARRATIF, me permet tout simplement de NE PAS penser au « sujet ».
Se fixer essentiellement sur le PEINDRE.
« Soulscape (Piétà in situ) »
Huile et acrylique sur toile
100 x 200 cm
Les couleurs, les cadrages, les textures , les postures…et leurs résonance.
D’un modèle à un autre.
C’est ce qui m’importe.
Il s’avère donc au final que, au delà de la représentation effective, la véracité est simplement faite de ce que l’on CHOISIT de retenir et/ou de consigner. Son importance devient donc relative à sa transmission sur le temps. s’en suit la question : Qu’est-ce que la vérité ? Sur quoi est basée une histoire ou plutôt l’Histoire ? Qu’est-ce qui fait qu’une action devient un fait historique et pas seulement un fait anecdotique ?
Quel est le rôle de la mémoire ? Qui ici se fixe à la fois sur les êtres et les paysages que l’on a tendance à croire immuables, à penser comme des évidences ? Alors que le TEMPS nous démontre le contraire.
- Permet de travailler vite et de faire des ajouts en couleur pure rapidement.
- Mélange de couleurs sur toile qui doit se faire vite donc stimule le geste pictural qui dans cette course avec le temps de séchage se doit d’être plus intuitif.
- Séchage rapide pratique pour effet de relief.
- Modelage plus léger, plus sec
- en fond première couche de couleur ou ajout surface en petites touches.
- L’huile permet une grande souplesse: du temps de travail, de la répartition des couleurs et de la quantité de peinture.
- Mélange des couleurs et modelage de la matière. A mi-séchage.
- Nuance de couleur par glacis et/ou ajout de nouvelle couleur pure.
- Profondeur et lubrification donne de la « rondeur » à la couleur.
Climbing Mood 100x100 cm, huile et acrylique sur toile 2022
"Wonder Falls" 120x120 cm, huile et acrylique sur toile 2022
Fixer les composantes d'un STYLE....
Une façon de fixer l’attention sur les expressions, le traité de chacun des visages (dont certains sont des autoportraits) qui depuis 2017 a évolué de façon indéniable. Le grand format des oeuvres originales nous impose une vision d’ensemble pourtant dans leur unicité ces visages ont leur histoire. Parfois des yeux fermés, des profils, des raccourcis graphiques…Voir une facilité dans le traité pictural d’Amandine UGER ce serait passer à côté du fait que ces composantes s’inscrivent naturellement dans la continuité de son travail. sa trame narrative.
A la fois minutieux et naïf, son travail par un mélange de précision et d’émotion a su se rendre reconnaissable. Par une identité propre.
A travers la résidence d'ARTISTES...
Résidences d’artistes « Créations Hybrides II » 2023 fait partie de la politique culturelle du Conseil Départemental de la Guadeloupe. Ce projet consiste en l’organisation de résidences dédiées à la musique, à la danse, au théâtre, aux arts plastiques qui se déroulent simultanément sur 5 sites pour un durée de 10 jours.
Les oeuvres réalisées durant cette résidence (8 au total) mettent l’accent sur le lien familial, mais aussi le lien avec la nature et l’harmonie qui en découle (sa’w simé sé sa ou ka recolté…)
Par souci d’unité et de par le délai de réalisation limité j’ai travaillé sur une palette de 4 couleurs naturellement complémentaires (jaune, bleu, vert, blanc) .
GREEN UP UR MIND
Father and son
90x80cm , huile et acrylique
2023
La reprise des « personnages bleus » devait nécessairement aller de pair avec un apport pictural nouveau : d’où l’apparition d’un motif trilobé qui envahit progressivement les corps donnant à la peau un aspect « tatoué »…Preuve d’une nature envahissante et malgré un fonc trés épuré, omniprésente.